Desde el germen de La Familia, la banda pionera del rap gallego, salía a la palestra en 2008 el MC vigués Pániko en las Calles. Acababa de publicar en el sello Renegade su homónimo debut en solitario, un álbum que sube el nivel del hip-hop local con una edición totalmente profesional, tanto en sonido como en diseño. Juan Rafael Díez González (Vigo, 1980) alias “Pániko” avanzó a VISADO el contenido de este CD del que en principio editó mil únicas copias; además se puede obtener en formato MP3 a través de iTunes y Nimbit.

“Empecé a elaborar este disco hace más de dos años; ya venía haciendo colaboraciones y muchas canciones propias, pero fue a partir del encuentro con Albendy (responsable de Renegade Records) cuando me planteé preparar algo con lo que realmente me sintiera bien, con tiempo y calma”. Así, sobre bases de este productor francés, y de Roty 340, DJ Limbo, 43 y Salvador Medina, Pániko echa el resto en el micrófono con apoyos de destacados colegas de la escena gallega como Drama, Pillo Astuto, Xoko Suizo o Rass Canelow, y también con el apoyo de los DJs Anthony y Jooz, Iván Vivas o el diseñador Mehu entre otros. “Todos ellos forman parte del disco”, asegura el artista que presenta su debut.

Lo que hay dentro

Lo que vamos a encontrar dentro de esa caja ilustrada con una solitaria y gris calle del Príncipe son quince cortes de puro hip-hop. En los primeros segundos se introduce al oyente “en un concierto que promete y voy acomodando a cada uno”, para luego ensamblar una pieza tras otra con diversas temáticas. Entre las referencias más teórico-prácticas del hip-hop (“Haz rap”, “Técnika”) y las llamadas a la autorrealización (“Sé tu mismo”, “A cuchillo”), el disco de Pániko se caracteriza por exaltar la amistad sincera y la vida en su propio barrio con un lenguaje próximo y real.

“Considero que debo hablar de mi vida, de mi trabajo y de la gente que me rodea”, dice, “no de dinero, coches, mujeres y champán porque eso la peña no lo vive”. En uno de los temas sostiene que “rap es sinónimo de amor y no vandalismo” pues aunque respeta otras opciones, para este MC vigués el hip-hop es ante todo “una pasión de la que enfermé hace tiempo”, un “virus” en el que piensa “desde que me levanto hasta que me acuesto e incluso soñando”.

Por ello da el máximo valor a las vivencias con sus crews La Kalle Kingz y Barrio Sound y se identifica “plenamente con Vigo, la ciudad que me ha visto crecer, donde están todos mis amigos, y a la que represento”.

Pese a las referencias más concretas a la ciudad olívica y su jerga particular, el trabajo de Pániko en las calles aspira a conquistar un mercado amplio. “El hip-hop nacional empieza a oler a podrido”, afirma el MC refiriéndose a la saturación de rap madrileño, andaluz o de Zaragoza “que sale al tuntún”. Dispuesto a que su talento se conozca “lo más lejos posible”, iniciaba una serie de conciertos “aún mejores que el disco”.

La discográfica Renegade: una pieza que hacía falta

El de “Pániko en las calles” fue el primer disco de rap vigués editado íntegramente bajo el sello Renegade Prods. Dirigido por Alain Mani “Albendy”, un productor de origen francés afincado en Galicia, la marca se planteó como “una plataforma para editar discos y hacer diseño profesional como exige el panorama hoy en día”. A través de esta escudería y promotora de conciertos, el hip-hop gallego empezó a sacar fruto a su talento.

El próximo disco que vería la luz con Renegade es “Acero Orgánico” del MC Drum Drama. Además preparaban los trabajos de otros artistas locales como Xoko Suizo, el francés Dernier Pro y diferentes DJs gallegos. “Vimos que aquí no había estructura discográfica para estilos como el hip-hop, el jazz o el soul”, señalan desde la empresa. Según Alain, “el sonido del rap vigués es como el rap americano de la época dorada, muy musical y con contenido actualizado”.

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Publicado originalmente en VISADO (FV) el 10 de octubre de 2008

El músico argentino Ariel Rot iniciaba en febrero de 2000 en Vigo la gira de presentación de disco “Cenizas en el aire”, publicado bajo el sello DRO East West. Salas de Galicia eran las primeras plazas del año para un “torero” que llevaba ya más de dos décadas haciendo sonar sus canciones en radios y escenarios de toda índole.

Ariel ha saboreado la miel del éxito con Tequila y Los Rodríguez, también ha sufrido momentos menos dichosos, pero lejos de acomodarse en viejos laureles sigue en la búsqueda de nuevos sonidos, ritmos y sensaciones. A tenor del aforo completo que para ese concierto logró en “La Iguana”, a Rot todavía le queda mucha mecha por delante.

¿A qué se debe este inicio de gira en Galicia?

— Se armó así el calendario, simplemente. No es por ningún motivo en especial, pero resulta agradable empezar aquí. Sé que nos siguen desde hace tiempo, hay buen ambiente.

No es la primera vez que visitas Vigo. Diste al menos un par de conciertos con Los Rodríguez en el parque de Castrelos.

— Sí, es una buena coincidencia. Una señal... la señal gallega (sonríe).

"Componer una canción es encontrar algo puro, una idea, un sentimiento, un feeling"

Después de más de veinte años haciendo rock en español has tenido como público a varias generaciones. ¿Te influye de algún modo en la composición el hecho de que te siga gente tan variada?

— No, en absoluto. Aunque suene un poco a cliché, a la hora de componer, uno trata de descomprimirse, de olvidarse absolutamente de todo lo que te rodea. El objetivo siempre es encontrar algo puro, una idea, un sentimiento, un feeling, una palabra.

Que salga de dentro, y no de fuera.

— Uno no puede estar pendiente de cosas externas a la hora de componer. En esto no existen reglas, lo importante es ser fiel al propio instinto.

¿Qué significa "Cenizas en el aire"?

— Es el nombre de la canción más íntima del disco, y digo íntima, no intimista. El título me empezó a rondar al ver las fotos que ilustran el álbum, me parecieron como cenizas en el aire.

Una novedad que presenta este disco frente a trabajos tuyos anteriores es que, por vez primera, te encargas por completo del aspecto de la producción. Es una faceta que ya habías mostrado con otros artistas como Andrés Calamaro o Sergio Makaroff, pero algo inédito en tu propia música.

— En realidad trata de buscar lo mejor de cada persona en el momento preciso, como un director general. Recurrí a gente muy específica, como el bateria Pete Thomas (Attractions) o Joe Blaney a las mezclas. Yo era un poco el coordinador, aunque en el aspecto de audio siempre tuve ayudas.

Andrés Calamaro: “Veo mucha limpieza ahí fuera”

Calamaro habla despacio. Se retoca la melena, juguetea con las gafas de sol, mira a un lado y al otro. No para. Agita un paquete de tabaco y descubre un porro a medio fumar. Entre frase y frase lo saborea. Sin encenderlo.

Sona!Iván Leis

En tus dos últimos discos te has rodeado de músicos muy creativos. ¿Cómo se combina el trabajo colectivo con tu propia música, el sello Ariel Rot?

— Por suerte me rodeé de gente en mi misma sintonía. Es fácil: nos ponemos a tocar las canciones, y si suenan bien no hace falta decir nada; si no, todo el mundo cuenta lo que le parece. Así hay canciones que surgen en una hora y otras en un día. Además, si yo llamo a Andy Chango es para que haga lo que quiera, no para tocar tal o cual parte. Es cuestión de trabajar con la gente adecuada. No creo en los músicos de estudio, sino en el talento personal.

¿Qué tiene el rock argentino que tanto triunfa aquí?

— No sé si se tratará de una coincidencia. Por España han pasado muchos músicos talentosos de Argentina que no han tenido repercusión. Depende de adónde dirijas los oídos, y parece que durante bastante tiempo los dirigieron más hacia Argentina que a otros países.

¿Ha cambiado mucho el rock en español desde 1977?

— A estas preguntas me da mucha pereza contestar... (lo piensa) Las cosas han cambiado un poco, pero aún se tiene que avivar más el fuego. La escena está algo adormecida, hacen falta buenos temas para levantar aquellas pasiones que vivimos en su momento.

Entrevista publicada originalmente en FARO DE VIGO el 18 de febrero de 2000

Todo empezó en 1989 con la maqueta titulada “Intoxikazión etílika”. Desde Vitoria-Gasteiz aparecía una peculiar S.A., siglas reivindicadas por una temible “Soziedad Alkohólika”. Después de sortear cambios de formación y censuras diversas, vendiendo a pesar de todo miles de camisetas, sudaderas y discos, S.A. ya editó su octavo álbum: “Directo”. El 31 de marzo de 2000 actuaban en la sala ‘Óxido’ de Vigo. Charlamos con Juan, vocalista de la banda, en las horas previas al concierto.

¿Qué motivos os impulsaron a grabar “Directo”, el disco que presentais en esta gira?

— Pues que llevamos once años tocando. Grabarlo era una buena manera de resumir lo que hemos hecho hasta ahora.Y de paso, para la gente que le guste los discos en directo, se le da la posibilidad de tener uno nuestro con un sonido bastante decente.

En el álbum aparecen numerosos temas de vuestros primeros discos, ¿lo planteasteis como una vuelta a los orígenes?

— Yo creo que el disco está bastante equilibrado entre temas viejos y nuevos. Como te decía la idea era hacer una pequeña recopilación de la trayectoria de Sociedad Alkoholika, por lo que hemos intentado repartir los temas entre todas las épocas.

En once años de carrera, S.A. ha sufrido varios cambios de formación, sin embargo la banda mantiene intacta su personalidad. ¿Qué principios rigen al grupo en este sentido? ¿Tenéis algún tipo de reglas o ideas que mantener a toda costa por militar en S.A.?

— No. Solo es básico dedicarle tiempo al grupo, involucrarte en él… No sé, los que han entrado nuevos se han acoplado sin problemas a nuestra manera de currar y han aportado frescura. De todas formas sigue ahí la base del grupo: la música más o menos siempre ha sido cosa de Jimmy, y las letras cosa mía.

Musicalmente, vuestros discos se han caracterizado por añadir elementos nuevos en cada entrega, poco a poco habéis ido tirando de metal radical hacia el rap, el reggae,… ¿qué estilos o grupos os están marcando últimamente?

— Un poco de todo, desde grupos de hardcore como Refused, Better Than A Thousand o Millencolin, de metal como Deftones y Sistem Of a Down, rollo electrónico (Fat Boy Slim, Junkie XL), hip hop (Ari, Delincuent Habits...). Son cosas que escuchamos, pero la verdad no tienen por qué influirnos.Yo últimamente escucho mogollón mis viejos discos de hard-core de los 80, estoy un poco aburrido del rollo este de mezclar todo.

Otra importante fuente de inspiración musical parece ser la cultura popular de los 70, o por lo menos la cultura de la “tele” y casi de la horterada: habéis versionado a Rafaella Carrá...

— Todo estos elementos son lo que mamamos de críos, por tanto están instalados en nuestro subconsciente y de vez en cuando vuelven a aflorar. Es que la puta tele influye mucho.

Pasando al contenido de vuestras letras, ¿no tenéis la sensación de que los temas se agotan a fuerza de abordar más o menos siempre los mismos asuntos, o esto no es un problema para vosotros?

— Una vez que ya has tratado los temas que más te rondaban por la cabeza, sí que cuesta más hablar de temas que no sean típicos, y tratarlos de manera un poco original, pero bueno; siempre hay algo sobre lo que merece la pena escribir una canción, algo por lo que denunciar.

A pesar de que no cantais en euskera se os considera un grupo abertzale, ¿podrías explicar en que consiste vuestra postura politica?

— Abertzale es nacionalista vasco, y aunque nosotros no nos consideramos nacionalistas, sino internacionalistas, creemos que es justo, de hecho apoyamos la lucha para que a Euskal Herria se le reconozcan sus derechos históricos como pueblo. Creemos en los pueblos, no en los Estados hechos a base de imposiciones, por la fuerza. Apoyamos el derecho de los vascos a que decidan su futuro mediante votación democrática (derecho de autodeterminación), ya que si el Estado español aceptase esto, se acabaría el sufrimiento para este pueblo. Pienso que si unos tienen derecho para imponer unas fronteras, los otros también para decidir cuáles quieren que sean las suyas.

Juan, vocalista: "Ahora escucho mis viejos discos de hardcore, ya aburre el rollo de mezclar todo"

En otro orden de cosas, ¿cómo está funcionando vuestro sello “Mil A Gritos”? ¿Qué referencias estáis añadiendo?

— Pues lo último que hemos editado ha sido el primer trabajo de Eraso (Zarautz), de M.A.L.M. (Gasteiz) y de Bat Bitten (Durango). También se han publicado los segundos discos de Ekon (Arrasate) y Anarko (Bilbao).

“Directo” se editó a finales del 98, ¿no tenéis ganas de pasar ya por el estudio para sacar otro álbum? ¿Cómo lleváis el tema?

— Andamos preparando lo que será el próximo disco, y ya tenemos unas siete canciones. Nos gustaría sacar este nuevo disco para el mes de septiembre, pero ya veremos.

Vuestra gira de presentación del “Directo” también ha pasado por Sudámerica, ¿qué tal resultó la experiencia?

— Estuvimos en Argentina, pero solo para un concierto. La experiencia bien, aunque la organización fue un poco desastre. La gente respondió muy bien, nos gustaría repetir con un poco más de fundamento.

No es la primera vez que actuáis en Vigo, ¿qué recuerdos tenéis de aquí?

— Es una ciudad muy agradable, no muy grande, nos gusta. Tiene un aire a Gasteiz, que es donde vivimos nosotros. Además es uno de los mejores sitios que conocemos para ir de marcha.

La última, “micro libre”

— Pues nada, lo aprovecho para animar a todos a ir al concierto, a sudar un poco y a calentar las orejas, que para ir de bares siempre hay tiempo.

Publicado originalmente en FARO OCIO (FV) el viernes 30 de marzo de 2000

Una canción titulada “La dejo o no la dejo” tiene la culpa de que Albert Pla se haya mantenido en silencio discográfico durante más de dos años, después de su muy aplaudido "Supone Fonollosa". El tema en cuestión, en el que el músico de Sabadell relata los conflictos éticos que le produce su amor por una activista terrorista, llevó a su compañía (BMG) a evitar la edición de un álbum ya grabado, "Veintegenarios", que por ahora reposa en los archivos de la multinacional.

Pero el éxito del cáustico Pla en concierto hizo reflexionar a la industria. Finalmente se decide a publicar "Veintegenarios en Alburquerque", un directo grabado en Extremadura con cuatro de estos nuevos temas, versiones de Jeanette y Oriol Tramvía (entre otros) y lujosas colaboraciones como las de Robe Iniesta, Fermín Muguruza o Manolo Kabezabolo.

A finales de 1997, Albert Pla recorre el Estado para presentar un trabajo que se dirige como dardo envenenado "a los veinteañeros que piensan como octogenarios". Entre sus paradas estuvo la sala Nova Olimpia de Vigo.

Al hablar de sexo, droga o política utiliza un lenguaje descarnado, al pan pan y al vino vino

Lacónico y descarnado

Para quienes no conozcan a este peculiar artista, piense el “Soy rebelde” en la película "Airbag". Pla se muestra ahí más alegre y comunicativo que de costumbre, menos tímido, lacónico y "cerrao". Algo habrá influido su progresivo acercamiento a las masas, bien a través de las bandas sonoras ("El día de la Bestia", "Carne Trémula"), bien con sus recientes incursiones en el teatro.

Pla destaca, ante todo, como compositor y letrista, faceta en la que se muestra capaz de remover los cimientos de la conciencia más sólida. Al hablar de sexo, droga o política utiliza un lenguaje descarnado, al pan pan y al vino vino, aunque sea tremendamente sutil en sus planteamientos.

Con motivo de la presentación de este su quinto LP, Plá viajó con una cohorte de músicos que aseguraron el espectáculo. En este último video, de 2006, lo vemos con monstruos instrumentistas como Quimi Portet o Tino di Geraldo, en una de sus canciones más recordadas:

Publicado originalmente en FARO OCIO (FV) el 19 de diciembre de 1997

Tensión y emoción. Claridad y oscuridad. Manta Ray ha sabido plasmar sensaciones opuestas en su último disco “Esperanza”, un álbum entre lo mejor de la música española en el año 2000. De gira por Galicia, el grupo interpretaba en directo sus nuevas canciones en ‘La Iguana Club’ de Vigo... un escenario que ya conocían bien:

— Lo recuerdo perfectamente. Fue uno de los primeros sitios donde se agotaron las entradas durante la presentación del disco anterior, “Pequeñas puertas que se abren, pequeñas puertas que se cierran” (1999). Fue un muy buen concierto, muy energético, recuerdo toda aquella gente alrededor nuestra, arriba, abajo y a los lados...

Quien habla es Nacho, bajista de Manta Ray. Conversó con FARO OCIO horas antes de su desplazamiento a tierras gallegas.

— ¿Veremos una actuación similar a aquella, o tal vez este álbum ha cambiado vuestra idea del directo?

—Será algo diferente. El concepto que manejamos ahora es más enérgico, más vital. Antes buscábamos crear unos ambientes a través de las canciones, lo que provocaba un directo etéreo, por decirlo así. Ahora nos interesa más la idea de rock, de energía, hacer la música de cara al público. Siempre que damos un concierto observamos la actitud del público y tratamos de darle la vuelta, de hacerles reaccionar. Nuestro objetivo es condicionar a los espectadores, no solo tocar y verles las caras.

— ¿A qué se debe ese cambio actitud sobre el escenario?

— No fue una decisión, sino fruto de la evolucion del grupo. Llevamos años experimentando con cajas de ritmos y samplers, y llegó la hora de anteponer el rock. No somos Medina Azahara, está claro, pero sí que tenemos ganas de manejar los instrumentos de un modo clásico, en el sentido de desprender una energía, una electricidad. Por otra parte nos sentimos más libres, ya que pasamos a ser sólo cuatro y eso nos facilitó el trabajo.

– ¿Cómo os ha afectado la marcha del guitarrista Nacho Vegas, ahora embarcado en una aventura en solitario?

— Afortunadamente, cuando decidió dejarlo todavía no había nada compuesto para el siguiente disco. Creo que se fue en el mejor momento. Él tiende a una línea más de cantautor, mientras que nosotros cuatro buscábamos otras fórmulas. Y tomamos un camino distinto sin dejar de ser Manta Ray. En el aspecto personal no hubo ningún problema, es más, en Gijón nos teloneó y hasta ha colaborado en el disco; en lo musical fue lo mejor que pudo pasar, pues gracias a su salida del grupo, los cuatro que quedamos nos acercamos los unos a los otros.

"En absoluto nos sentimos un grupo de culto; tampoco vamos a lo masivo"

— ¿A qué se debe el título de “Esperanza”? ¿Tal vez a que esperáis alcanzar por fin a un público masivo y dejar de ser un grupo minoritario, de culto?

— En absoluto nos consideramos un grupo minoritario o de culto; tampoco masivos. Somos conscientes de que el público español no acepta fácilmente este tipo de propuestas, y que Manta Ray resulta difícil de digerir entre tanto grupo chabacano y fascista. La industria musical hace grupos no creativos, fabrican gente joven para salir en los anuncios, apartándose de lo artístico, lo visceral. Sí esperamos que el nuevo disco funcione lo mejor posible en el mercado, pero lo del título tiene otro sentido, es algo más irónico. Con “Esperanza” nos quisimos reír de la idea del Apocalipsis que algunos quisieron vender con la llegada del año 2000.

— Desde finales de los 90 os habéis prodigado en actividades externas al grupo, como la gira conjunta con Corcobado y la grabación de “Score”, un directo que recrea bandas sonoras. ¿De qué modo os han influido esas colaboraciones?

— Tanto esos trabajos como la colaboración con Diabologum nos han influído de un modo no consciente. Quiero decir que Manta Ray sigue una línea, pero que inevitablemente se entrelaza con otras propuestas musicales. A mí me marcó bastante “Score”, el trabajo que hicimos para el Festival de Cine Independiente de Gijón. Hubo que escuchar muchos discos de John Barry, Morricone y tambien jazz, y todo eso, en cierto modo, se reflejó después.

— ¿Cuál es vuestro sistema de composición? ¿Es una tarea compartida, individual...?

— La base es tocar juntos en el local a partir de ideas preconcebidas. No hay un líder, alguien que componga para que los otros le acompañen. Al contrario, trabajamos mejor improvisando, descubriendo sonidos, acordes, ritmos, y creando la canción a partir de ellos. Hace tiempo que nadie llega al local con un tema ya acabado; en esencia lo que hacemos es recrear, soltarnos a partir de una inspiración. Como en el jazz, pero con limitaciones técnicas.

"Nos interesa más el rock, hacer música de cara al público"

— Aunque os consideráis un grupo de rock...

— Básicamente, un grupo de rock contemporáneo. Con ciertos matices, con ciertas influencias ajenas a la escena del rock, pero básicamente hacemos eso.

— El disco que habéis editado bajo el sello ‘AstroRecords’ incluye arreglos de la Orquesta Filarmónica de Asturias, entre otros músicos. ¿Cómo vais a plasmarlos en el directo?

— Bueno, la verdad es que toda la gente que colabora en el disco no cabe en ese pub (risas). Lo que hacemos es suplir su papel con energía y potencia. Nos hubiera gustado acompañamos de un pianista pero no había presupuesto, de todos modos es preferible ver en vivo cómo lo hacemos.

— Por último, ¿ya os habéis planteado qué sera lo próximo de Manta Ray?

— Hay varios proyectos, uno con un colectivo de DJs de Madrid, tambien se ha pensado en publicar una serie de EPs recreando películas, versiones de antiguos éxitos... Aunque por ahora estamos en plena gira, todavía nos queda el verano y sus festivales.

Así finalizó la conversación con el grupo español de rock más reconocido en Europa, tal y como confirmaron en su gira de 2000: Manta Ray, un lujo para los oídos que no deberías perder de vista.

Publicado originalmente en FARO DEL OCIO el viernes, 12 de mayo de 2000

“Hablaremos del miedo” es el título del tercer disco de Nadadora, banda afincada en O Grove que con este trabajo busca en 2007 su consagración definitiva entre las grandes del pop independiente español. De nuevo bajo el sello Jabalina, el álbum fue grabado por el guitarrista del grupo Iñaki Bea en los estudios “Círculo Polar”, y masterizado en Nueva York por Alan Douches, responsable de esta tarea para artistas como Sufjan Stevens, Radio 4, Anthony and The Johnsons o Beirut.

‘La Fábrica de Chocolate Club’ acogía el 2 de junio de 2007 la presentación oficial del álbum. Un concierto en formato eléctrico, a diferencia del que en la víspera protagonizaba este sexteto en ‘La Casa de Arriba’, en acústico para medios de comunicación e invitados.

Una escucha superficial les presenta fríos, lejanos... con la atención puesta son todo lo contrario

La expectación era elevada ante la puesta de largo de éste su segundo LP, que sucede a “Todo el frío del mundo” (2005) y el miniCD “Aventuras dentro de cajas” (2004). Los avances de “Hablaremos del miedo” en su web de Myspace recibieron elogios desde diversas partes del globo. Y efectivamente son una gozada canciones como “Tú y cuántos como tú”, “El bosque” o “Al final todo arde”, ahora redondeadas con instrumentos de viento y arreglos orquestales; o “La forma”, una lección de cómo el pop cautivador puede ser también intensamente rockero.

Gonzalo Abalo es el compositor de los temas, cuyas señas de identidad siguen siendo las intensas guitarras, los cambios de ritmo (intercalando el arrebato con los remansos de paz y melancolía), y el juego de voces con Sara, inconfundible. Tanto en el aspecto instrumental como las letras ponen de manifiesto una profundidad mayor, que denota el estado de madurez al que han llegado Nadadora. Una escucha superficial les presenta fríos, lejanos... con la atención puesta son todo lo contrario: brillantes, emocionantes, en la órbita de sus inspiradores The Delgados o Stars.

Así, con su propio estilo depurado, el grupo ha incorporado a este disco –como en los anteriores– un tema en gallego (“Todo o mundo protesta”) y aparece también una colaboración, la del DJ Aldo Linares a dueto con Sara en “Aceptar”. Tras las presentaciones en Vigo ese fin de semana, Nadadora tocaba el 9 de junio en la sala “El Sol” de Madrid.

En diciembre del 2012 Nadadora anuncian su separación, la razón es “la imposibilidad de afrontar un nuevo trabajo y hacer una gira de presentación“. La dispersión de sus componentes en diferentes ciudades de España por motivos laborales, hace muy difícil continuar funcionando como grupo (Fuente: La Fonoteca).

Publicado originalmente en VISADO (FV) el 1 de junio de 2007

“Voy a aterrizar” se convirtió a mediados de la década de los 90 en un himno para los aficionados al pop puro y duro, que por aquel entonces daba más bien pocas muestras de originalidad en el territorio español. El panorama cambió radicalmente en apenas unos meses, puesto que al éxito que alcanzó aquel primer single de Nosoträsh se sumaba pronto una creciente lista de nuevos valores —encabezada por Los Fresones Rebeldes— que harían del género lo que fue en los albores del siglo XXI: un motor de la indepencia musical en castellano.

Todo esto viene a colación del concierto que el quinteto asturiano ofrecía en 2000 en la sala “La Iguana Club” de Vigo.

Las gijonesas Nosoträsh volvían a la ciudad con nuevo elepé bajo el brazo, el segundo, que lleva el sugerente título de “Mi vida en un fin de semana”. La cita alude al funcionamiento del grupo, cuyas obligaciones laborales sólo le permitían reunirse de viernes a domingo, y a un tipo de maleta, la “fin de semana”, muy apropiada para su estilo fresco y jovial.

Natalia (voz), Montse (bajo y coros), Malela (guitarra y coros) y Coya (batería, ex Penélope Trip) comenzaron a tocar juntas en 1994. Tras ganar el concurso de maquetas de la revista “Rock de Lux” fichan por la casa disco gráfica multinacional RCA, con la que editan “Nadie hablará de... Nosoträsh” (1998), su elepé de debut.

El trabajo tuvo una excepcional acogida, hasta el punto de que un programa de Los 40 Principales lo elige disco del año. Al tiempo, miles de jóvenes tararean “Voy a aterrizar”, conjurando la llegada del nuevo indie-pop en castellano, caracterizado por estribillos refrescantes y pegadizos.

En 1999 Nosoträsh se pasan a una discográfica independiente, Elefant Records. El single “Hacia el sur” adelantó el álbum. “Mi vida en un fin de semana” cuenta con la producción del británico Jan Catt (colaborador de Kylie Minogue, St. Etienne y Madonna entre otros), profesional que le ha sabido sacar el máximo jugo a los temas de la banda asturiana.

Con canciones como “Chico escaparate”, “Rara sensación”, “Pijama para dos” o “Gato al sol”, el grupo gijonés aborda sentimientos y reflexiones a bordo de un sonido sólido y emocionante.

Si quieres saber más sobre la historia de Nosoträsh, puedes darle al enlace abajo.

Nosoträsh - EcuRed

EcuRed

Publicado originalmente en FARO OCIO el viernes 28 de abril de 2000

Arropados por una base de fans que se han ganado a lo largo de una década, Havalina volvía en octubre de 2012 a tierras gallegas confirmada ya como una de las bandas más creíbles y sólidas del espectro indie estatal. Presentaban su nuevo álbum “H”, oficialmente el cuarto de su discografía –tras “Junio” (2007),“Imperfección (2009) y “Las Hojas Secas” 2010”– si bien cabe considerarlo el séptimo si tenemos en cuenta su trayectoria de temas en inglés como Havalina Blu.

Con una identidad mucho más definida, lo que se pudo ver y escuchar es un trío demoledor con Manuel Cabezalí –voz y guitarrista superviviente de la formación que gestó junto con Charlie Bautista–, Javier Couceiro (batería) e Ignacio Celma (bajo, coros) dando rienda suelta a un torrente de emociones.

“H” sigue la estela del alabado “Las hojas secas” pero con más dureza, más contundencia en un sonido que envuelve y evoca el intimismo poético de sus letras.“Quiero viajar conmigo y explorarme internamente / sólo hay sombra cuando hay luz / hoy me viste la oscuridad”, recita el cantante en“Viaje al Sol”.

Piezas como“El estruendo”,“La Antártida empieza aquí” o la más terrenal “Compañía felina” son ya razones suficientes como para apuntalar a Havalina entre los más grandes del rock nacional presente, si bien en directo es donde se muestra como la certera apisonadora sonora que es.

De su valía da fe el DVD que publicaron con motivo de su décimo aniversario, “Tan deprisa, tan despacio” (Origami Records 2011), grabado en tres conciertos consecutivos en Madrid en los que repasaron todo su repertorio.También se editó un disco de versiones de Havalina interpretadas por artistas como Vetusta Morla, Álex Ferreira o Depedro.

Alex Ferreira: otro pop latino

En la intimidad del “Contrabajo”, Álex Ferreira presentaba en 2013 en Vigo las canciones de su EP “Dulus Dominicus” y repasó los temas que le han convertido en uno de los cantautores pop-rock más sólidos del panorama hispano

Sona!Iván Leis

En estos conciertos en Galicia, les acompañó el grupo Pasajero.

Publicado originalmente en VISADO (FV) el 5 de octubre de 2012

Con un cartel de más de 40 fechas, la banda colombiana Morat anuncia su nueva gira mundial: Morat World Tour.

En esta nueva gira del grupo podremos disfrutar de los éxitos de toda la vida como "A dónde vamos", "Cómo te atreves", "Besos en Guerra" o "No se va", además de su último lanzamiento "París" junto con Duki, que se ha convertido en la mejor canción del histórico de la banda con más de 45 millones de reproducciones.

Para esta gira cuentan con un formato totalmente diferente creando un espectáculo aún mayor. Se trata de una gira con una dinámica completamente nueva, enfocada a un show más grande, más internacional, y con un diseño técnico que la hace aún más espectacular.

El Morat World Tour hará una de sus paradas en Mos el 18 de agosto a las 22:00h, en el campo de fútbol "As Baloutas", donde el público descubrirá en primicia las canciones de su cuarto álbum, "¿A dónde vamos?", a través de un directo inigualable.

Las entradas ya están a la venta por 10€ más gastos de gestión.

Entradas MORAT en Mos - Pontevedra - jueves, 18 agosto 2022 - desde 10,00 € - OTRAS MÚSICAS | Ataquilla.com (Es)

MORAT

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Vía: Esmerarte

Polo Entroido de 2008, ‘La Iguana Club’ de Vigo propuña unha festa funk-rock da man do mellor grupo galego neste estilo, os coruñeses Loretta Martin. O trío viña repasar o seu primeiro álbum “Paraíso Distante” (Falcatruada 2007) como xa fixera un ano atrás, nada máis saír o disco á rúa, daquela ante un escaso pero entusiasmado público.

A música de Loretta Martin é para desfrutar. Brais Morán (voz e guitarra), Fran Sanz (baixo) e Iago Otero (batería) comezaron a tocar xuntos no 2002, facendo blues-rock, aínda que a influenza de grupos como Jamiroquai, Red Hot Chili Peppers, Tim Maia ou Zuco 103 deixou fonda pegada na súas composicións, e decidiron ir cara ao funky.

Con calma, foi xurdindo este “Paraíso Distante” que son doce pezas nas que o funk, o jazz e a música brasileira modelan o seu son, sen outra pretensión que divertir, sen purismos mais sempre na busca do groove. Cunhas letras de ton optimista, sobre todo en galego e tamén en inglés e portugués, os Loretta Martin aseguran calidez e movemento.

Amais dos “Paraísos Distantes” o trío de A Coruña trouxo novas melodías

Do seu repertorio pódense destacar temas como “Waikiki”, “Diva” ou “Modus Vivendi”, todos de factura propia, aínda que tamén deixan caer algunha versión como “De repente”, que é a adaptación dun tema do poeta e cantante Vinicius de Moraes, figura capital da música popular brasileira contemporánea. O grupo coruñés recalaba en Vigo no marco dunha extensa xira para darse a coñecer por Galicia e Portugal, o chamado “Paraíso Tour”.

Aposta forte do selo Falcatruada

Loretta Martin foi un dos grupos de referencia de Falcatruada, discográfica especializada en artistas e grupos galegos que na súa andaina colleitou notable éxito. Nomes como Sevigny, The Homens, Silvia Penide, Narf, Nordestin@s ou Xosé Manuel Budiño formaron parte desta escudería (aparentemente finada en 2010) que vendía os seus discos non só nas tendas senón tamén por Internet.

Publicado orixinalmente en VISADO (FV) o venres 1 de febrero de 2008

“Continental 62” es un vuelo que conecta Newark (EE UU) con Madrid, y también el título del LP que en mayo de 2006 presentaba en vivo en ‘La Fábrica de Chocolate’ de Vigo la artista Christina Rosenvinge.

Hija de una familia de daneses afincada en España, en los años 80 descubre el pop frecuentando los primeros conciertos de la Movida. Aún adolescente forma el grupo mod Ella y los Neumáticos, con músicos que despuntarían con Décima Víctima, Ciudad Jardín o Gabinete Caligari. En 1981 se disuelven –solamente grabaron una maqueta– pero Christina emprende viaje hacia el éxito masivo.

Con Álex de la Nuez forman una banda de influencia francesa cuyos discos –“Álex y Christina” (1987) y “El ángel y el diablo” (1989)– y sobre todo una canción –“¡Chas!... y aparezco a tu lado”– les llevarían a la categoría de fenómeno social.

A partir de ahí, Rosenvinge había realizado una carrera personal con desigual repercusión: primero Christina y los Subterráneos graban “Que me parta un rayo” (1992) y “Mi pequeño animal” (1994); después, en solitario, edita “Cerrado” (1997) y “Flores raras” (1998), álbumes que la convierten en una figura de culto para la crítica y el público más orientado al rock independiente.

En 1999 Christina da un nuevo giro a su trayectoria: se traslada a Nueva York y trata de situarse en el panorama “indie” tocando en salas y festivales. Se codea con Sonic Youth y edita “Frozen Pool” (2001), primer disco de la trilogía que remata “Continental 62”. En medio está “Foreing Land” (2001), álbum en inglés que se publicó junto a una colección de imágenes del escritor Ray Loriga, entonces su pareja y padre de sus dos hijos. “Continental 62” sitúa a Rosenvinge en la escena del pop vanguardista, sin complejos ni pretensiones.

La viguesa sala "Nashville" acogía en abril de 2003 un directo del grupo malagueño Triple XXX, un dúo formado por Spanish Fly y Gordo Master, antiguos componentes de Nazión Sur, grupo que junto con CPV, VKR o 7 Notas 7 Colores, comenzaron a darle un toque de color al panorama del hip hop español.

Bajo la dirección del Jefe de la M, y después de un largo proceso, Triple XXX
presenta su primer CD de larga duración y como dice su título “sobran las palabras”. Es mejor escuchar con suma atención las vibrantes bases del Jefe y dejar que el flow vacilón y comprometido de los raperos malagueños te acompañe a través de los quince temas que incluye el disco.

Se escuchan canciones como “Ya no te acuerdas”, seleccionado como single del CD por su vigor y frescura y por aglutinar en apenas cinco minutos todos los ingredientes que mezclados exquisitamente por DJ Pájaro, han hecho de Triple XXX uno de los combos más frescos, vivos y divertidos del panorama del
hip-hop ibérico.

En temas como “Busco la fama” o “Number güan”, Triple XXX nos enseñan lo bueno que puede ser el rap nacional y al tiempo echan la vista atrás para recordar lo difíciles que son los comienzos en un mercado que los tacha de marginales.

En cortes como “Tranqui”, la rima se contonea sobre unas bases hipnotizantes. Se pueden hasta saborear los efluvios que desprenden sus historias de barrio y talego, las despedidas a colegas que se fueron... pero sobre todo, Triple XXX nos deja el sabor goloso de un hip-hop asequible para todos y especialmente para aquellos a los que no les gustan etiquetas ni fronteras.

Publicado originalmente en VISADO (FV) el 4 de abril de 2003

Bastarían las cuatro canciones del EP "Magnesia" (1995) para elevar a La Buena Vida al trono del depauperado pop en español, pero este grupo donostiarra que en diciembre de 1999 se presentaba en directo en Vigo, no se conforma con laureles de un día.

Llevaban casi una década creando y recreando el denominado "sonido Donosti" y sólo por ello merecen agradecimiento y admiración.

Es cierto que no corren buenos tiempos para hablar de amor... pero ellos parecen decir "y qué" con canciones sentimentales, amorosas, melancólicas, incluso terapéuticas como "En Bicicleta", "Después de tanto tiempo", "Menta y agua", "Noviembre"...

En la viguesa sala "Vademecwm" pudimos disfrutar el sabor agridulce de su música. La Buena Vida, el representante más genuino del Donosti sound, traía sus nuevas composiciones del álbum "Panorama" (1999), referencia de una larga discografía auspiciada por el sello "Siesta", del que se les consideraba abanderados a nivel nacional e internacional.

Emociones y placeres

En "Panorama", La Buena Vida vuelve a empapar al oyente de emociones y pequeños placeres. Enlazando con las delicadas líneas armónicas del anterior "Soidemersol" (1997), el grupo vasco maneja complejos sentimientos a través de textos sencillos y melodías inspiradas.

El crítico musical Luis Lapuente ha definido con acierto este cuarto álbum como "un resumen de su trayectoria artística (...) más allá del pop, el lounge y la bossanova, más allá de categorías estéticas y definiciones estilísticas".

Y es que, en efecto, LBV trasciende la barrera de las etiquetas para representar simplemente emoción en forma de canciones.

Publicado originalmente en FARO OCIO (FV) el 10 de diciembre de 1999

Aún rulaban cintas de casete cuando Nach se daba a conocer entre los aficionados al hip-hop. Su “Basado en hechos reales” fue de los primeros hits del rap en castellano. Con innumerables conciertos y colaboraciones, Ignacio Fornés se convirtió en uno de los artistas más activos del género. Sus álbumes “Poesía difusa”,“Ars Magna /Miradas” y sobre todo “Un día en suburbia” pondrían al de Alicante en primera línea. Poco a poco se ha aproximado a un público más allá del circuito del rap, pero sin perder ni un ápice de autenticidad. “Mejor que el silencio”, el disco que le trajo en febrero de 2012 a Galicia (Auditorio Municipal de Ourense y sala Mondo de Vigo) es su trabajo más completo y una muestra de cómo el hip-hop se abre paso en el mercado musical español.

El pasado fin de semana estuviste en la gala de los Goya optando al premio a la mejor canción por “Verbo”. ¿Significa esto que el rap ha dejado de ser minoritario?

– No, sigo viendo que los medios tratan al hip-hop como un género minoritario, como algo marginal. Su repercusión en la calle no es esa, pero se tiende a etiquetar y a no ver más allá. Siempre he pensado que esta con- cepción del rap cambiará, pero el proceso es lento.

Hace apenas tres meses actuaste en el festival Microfest de Santiago con un lleno. ¿Recuerdas esa actuación?

– En toda España está pasando: los conciertos de hip-hop tienen mucho público. Santiago fue brutal, la gente estuvo entregadísima y así todo es muy fácil. La adrenalina me sube y rindo al 120 por ciento de manera natural.

“Mejor que el silencio” te está dando muchas satisfacciones: en lista de ventas más de 20 semanas, finalista de los MTV Awards, carteles de “no hay entradas”... ¿Te ves en tu mejor momento como MC?

– Estoy en mi mejor momento como MC y como persona, a nivel mental y físico. He llegado a un punto de madurez emocional y artística. Sé muy bien por dónde quiero ir, musical y personalmente.Tengo mucho más claro quién soy,lo que me gusta y sobre todo lo que no me gusta. Me estoy cuidando más, he dejado de fumar, hago más deporte. Aguanto mejor todo tipo de presiones y me afecta menos lo que puedan decir de mí. ¡Me siento fresco ncomo una rosa!

El álbum incluye un tema con la colaboración de la viguesa Wöyza, “Disparos de silencio”. ¿Qué relación tienes con el rap de Galicia y cómo lo ves?

– Estoy en contacto con Coke,Wöyza... Ella me parece una de las tías más interesantes del panorama de la música negra. Sé que hay gente haciendo cosas interesantes, como Rack Eterno y otros que he encontrado en el camino. No conozco bien la escena gallega, pero espero que vayan a más, tienen mi apoyo incondicional.

En otro de los cortes del disco, “Ayer y hoy”, repasas con El Chojin las diferencias entre el hip-hop de los 90, cuando los dos ya empezábais a destacar, y el de hoy en día. ¿Cómo te ves dentro de, digamos, quince años? ¿Seguirá siendo el rap un mundo aparte en lo musical?

– No me gustaría que se igualase a determinado pop de radiofórmula, pero sí en cuanto a la música independiente. Hay gente mayor que ha mamado del rock toda la vida y está ahí ahora. Creo que dentro de quince años seremos igual pero dentro del rap. Será algo significativo de la madurez de la escena, del tiempo que lleva esto gestándose, creciendo... Pero el panorama español del rap tiene de todo, hay mucha variedad y también cosas con las que no comulgo para nada.

¿Como qué?

– No me gustan algunas actitudes muy traídas. Que se exagere la pose callejera por dárselas de pertenecer a un grupo, que exageren su lado negativo y malo como si fuese lo más guay... Actitudes infantiles que existen muchas veces en el hip-hop no sólo en España: en general. Y la intolerancia que hay, por mucho que hablemos de unión y de que muchos tengamos un pensamiento más de izquierdas, en el fondo no existe tampoco esa tolerancia real.

¿Y qué destacarías del lado positivo?

– Nuestra autenticidad, nuestro saber hablar claro de muchas cosas que otros tipos de música no tocan ni de coña.

Te caracteriza un rap que apela a la emoción, a los sentimientos. Sueles citar a poetas e incluso has musicado a Miguel Hernández. ¿Te ves más en una corriente literaria que en la estela del rap americano, por ejemplo?

–Sólo me veo en una corriente, que es la mía [ríe]. La poesía puede influenciarme, inspirarme, pero hago lo que a mí me nace. Para mí lo esencial es ser yo mismo, sentirme a gusto con lo que hago.Y creo que eso se nota en el directo, porque soy yo. No sé si tengo una tendencia literaria, tampoco estoy en el estereotipo de rapero de guetto... estoy donde mi personalidad me lleva. Escucho a mi corazón, y a mi estómago. Y luego escribo canciones,no hay más secreto. Leo tonterías y veo la televisión como todo el mundo. Me interesa más la poesía que los ladrillos que sueltan algunos MCs, pero otros son buenísimos con su actitud supercallejera. Intento crear imágenes que a mí me valgan la pena. No me planteo más.

“He llegado a una madurez personal y artística. Tengo claro quién soy, sé muy bien por dónde quiero ir

Eres licenciado en Sociología. ¿Te ves como educador a través del rap?

– Más bien como un cronista, como alguien que ve cosas y las muestra. Mis planteamientos son bastante básicos. Me dediqué a estudiar Sociología por lo mismo que a ser MC: por curiosidad pura y dura y ganas de ver qué pasa a ese lado.

Cuando fichaste por la discográfica Universal después de estar en sellos más especializados en rap comentaste que uno de los objetivos era llegar a la afición de Sudamérica. ¿Lo habéis conseguido?

– No, es complicado: está la crisis, problemas de infraestructura, poca gente que hace hip-hop allí... No se trata solo de dar cuatro conciertos y poner discos en las tiendas. Estoy pensando en irme un tiempo allá y ver qué pasa. No nos gusta que se nos queden espinas clavadas. Depende de nosotros, pero hace falta mucho trabajo.

En Internet sí que vas sumando adeptos: 500.000 seguidores en Facebook, 50.000 en Twitter...

– Es que ya todo el mundo está en Internet y hay que aprovechar tanto para vender música como para tener una cercanía con el público. Ese contacto es mucho más divertido que los canales de antaño. Es fantástico poder hablar directamente con la peña porque me interesa mucho lo que la gente dice, piensa y quiere.

Entrevista publicada originalmente en VISADO (FV) el 24 de febrero de 2012

Solo el tiempo dice la verdad. Berri Txarrak así lo constata en “Denbora da poligrafo bakarra” ( ‘El tiempo es el único polígrafo’), su octavo álbum. A través de veinte canciones, el trío navarro más internacional celebra su vigésimo aniversario de la mano de tres productores, con quienes repasa sus peculiares formas de entender el rock.

En 2015 presentaban este triple disco en la Capitol de Santiago (con los gallegos Superoito). Apabullante directo el de Berri Txarrak, una banda curtida en escenarios de todo el planeta sin que el uso exclusivo del euskera en sus canciones suponga frontera alguna.

Berri Txarrak agota entradas en Bilbao como en Berlín y actúa en festivales en Japón, EE UU o Sudamérica, será porque cualquier etiqueta les viene pequeña. El sello personal del grupo que lidera Gorka Urbizu tal vez resida en la melodía, combinada con ritmos de punk-rock, nu-metal o stoner en una propuesta singular, universal y auténtica.

Publicado originalmente en VISADO (FV) el 10 de abril de 2015